الكاتب: Fahad Alesta

• لنعرف أولا أن السينما بدأت كفيلم قصير تحت وقع الظروف التقنية حينها وعدم القدرة على تصوير أفلام طويلة والتي تستلزم العديد من بكرات شرائط السيلولويد وهو مما يصعب توفيره وترتفع تكلفته إضافة لكون السينما في بداياتها كانت فنا جديدا يلتمس خطواته الأولى ليكون هويته الخاصة ولذا فلم يكن هناك أنموذج مثالي لطريقة السرد او التصوير وكان الجميع في مضمار التجربة.

حاليا يقف الفيلم القصير خلف شهرة الفيلم الطويل ولم يعد مربحا على مستوى التجارة لكنه مازال يحضى بالكثير من الاهتمام حيث لايخلو مهرجان شهير للأفلام الطويلة من مسابقة الأفلام القصيرة مثل  مهرجانات كان وبرلين وفينيسيا بالإضافة لتخصيص مهرجانات شهيرة وهامة للأفلام القصيرة فقط أهمها مهرجان كليرمون فيران في فرنسا, كما وا،ه أزال الفيلم القصير هو محطة البداية والتجارب لعدد من المخرجين إن لم يكن كلهم قبل بدايتهم في إخراج افلامهم الطويلة بل إن الكثير منهم يعود من جديد بين الفترة والأخرى ليقدم فيلما قصيرا.
كما يمكن الإشارة إلى أن مفهوم الفيلم القصير لم يستقر تماما واختلفت تعاريفه بين فترة وأخرى ففي الثلاثينات مثلا نصت لائحةالأفلام السينمائية في إنجلترا على تعريف الفيلم القصير بأنه الفيلم الذي يقل طوله عن 3000 قدم أي 33 دقيقة تقريبا بينما في الستينات يعرف المركز الوطني للتصوير السينمائي في فرنسا الفيلم القصير بأنه “فيلم سينمائي لا يتعدى 600 مترا في شكل 35مم” ومدته حوالي 59دقيقة. وكان الموقع السنيمائي الشهير IMDB  يشير للفيلم القصير بما قلت مدته عن 45 دقيقة .
لكن مايمكن ملاحظته حاليا ان التعريف الفرنسي للفيلم القصير بأقل من ساعة يبدو هو الأكثر رواجا .وحين العودة لبدايات السينما منذ عام 1895 كان الاعتماد الفعلي  على الأفلام القصيرة وحتى مجيء الأفلام الطويلة كانت الأفلام القصيرة تقدم في بداية العرض لكن الانطلاقة الأولى للأفلام الطويلة كما يشير المؤرخون والتي غيرت الكثير فيما بعد  جاءت في العام 1911 حيث بدأ فجر حينها الفلم الروائي الطويل واكتسب شعبية هامة بعد أن تم عرض فلمين أوربيين هما الأيطاليان الصامتان ” الصليبيون/ The Crusaders” لانريكو غوازوني و ” جحيم دانتي/ Dante’s Inferno” لثلاثة من المخرجين , والمسجلين على أكثر من أربع بكرات خلافا للسابق حين كان الفلم لايتجاوز بكرتين.
ولكنه بحسب المؤرخ دافيد كوك فان الفلم الفرنسي ” الملكة اليزابيث / Queen Elizabeth” عام 1912 والذي يبلغ طوله ثلاث بكرات ونصف كان هو الفلم الفعلي الذي حقق نجاحا كبيرا وأقنع رجال صناعة السينما الامريكيين بجدوى الأفلام الروائية الطويلة وهو اشبه بمسرحية مصورة من اخراج “ميركانتون و ديسفونتاينيس “وبطولة الممثلةالمسرحية الشهيرة حينها ” سارة برناردت”.
ثم جاء مرة أخرى الإيطالي انريكو غوازوني بفيلمه الطويل  ” كو فاديس / Quo Vadis” ببكراته التسع التي يزيد عرضها على ساعتين ومشاهدة الضخمة ومؤثراته الخاصة المبهرة ذلك الوقت وانجذاب الجمهور الكبير له ليقطع الشك تماما بأهمية التوجه لانتاج الأفلام الروائية الطويلة عند صناع السينما الامريكية. رغم ارتفاع تكلفة انتاجها وصعوبة توزيعها علما بأن مردودها المادي كما لاحظ المنتجون وأصحاب دور العرض يستحق كل هذا العناء والتكلفة .
والطريف ان هذا الفلم الايطالي الناجح ” كو فاديس ” كان سببا في تأسيس قاعدة مهمة غير مسبوقة من المشاهدين وهم اصحاب الثراء  والثقافة بسبب اقتصار عرضه على دور العرض الفاخرة  كما ان نجاح هذا الفلم كان سببا في ان تضع ايطاليا يدها على سوق السينما العالمية حتى بداية الحرب العالمية الأولى. ثم في عام 1914 كان هناك فلم تاريخي آخر من اثني عشرة بكرة حقق نجاحا تجاريا كبيرا هو الآخر وهو فلم ” كابيريا / Cabiria ” من اخراج ” جوفاني باستروني “.
من جانب آخر فان التوجه لهذه الأفلام الطويلة كما يقول دافيد كوك كان سببا في ان تصبح السينما فنا محترما من وجهة نظر الطبقة المتوسطة لانها استطاعت ان تقدم شكلا فنيا لذلك الذي يقدمه المسرح التقليدي.

 
 
اذا ماجاء الحديث عن التأريخ السينمائي وأبرز كتبه فسيأتي المؤرخ والناقد السينمائي الفرنسي جورج سادول في مقدمة كل الاسماء الأخرى ممسكا بكتابه الهام والاشهر ” تاريخ السينما في العالم ” الذي أضحى الآن مرجعا مهما ومصدرا لكل من يبحث في تاريخ السينما ويكتب عنها.
ولد جورج سادول في باريس عام  1904 وكان صحفيا وكاتبا سينمائيا لكنه حصل على دكتورة في تاريخ الفن من جامعة موسكو ودرس في المعهد السينمائي الفرنسي وكتب عدد من الاعمال السينمائية المؤثرة كما كتب سيرا ذاتية عن مشاهير السينما مثل جورج ميليس وشارلي شابلن , وفي الثلاثينات الميلادية كان شيوعيا ماركسيا مما جعل البعض ينتقده معتقدا ان نظرياته السينمائية كانت قد تأثرت بتوجهاته السياسية .وتوفي جورج سادول في باريس عام 1967 بعد تسع سنوات من تاليفه الاول لكتابه الشهير  ” تاريخ السينما في العالم ” وهو انموذج لما كان عليه جورج سادول من الدقة وبذل الجهد والتحري في تاليف هذا الكتاب . فكان قد أنها بداية في كتابة تاريخ السينما منذ نشأتها حتى عام 1919 في أربعة أجزاء ضخمة مركزا فيها على ستة أو سبعة من الدول الاساسية  المتقدمة في الانتاج السينمائي دون اهتمام يذكر بالسينمات الاخرى القادمة من أفريقيا وآسيا واميكا اللاتينية . لكنه استمر ولمدة ثمانية عشر سنة يقوم بتعديله والاضافة اليه في كل طبعة حتى انهاه عام 1958 تحتى مسمى ” تاريخ السينما في العالم ” متحدثا باسترسال عن اكثر من خمسين دولة  ذات انتاج سينمائي  بعد عناء كبير وسنوات من السفر والتنقل  والتردد على المكتبات السينمائية وحضور أكثر من مائة مهرجان سينمائي حول العالم والانتقال للعيش في دول متعددة ليكون اقرب الى ادراك انتاجها السينمائي حيث زار الهند والصين والايابان والمكسيك وكوبا والبرازيل والارجنتين والاتحاد السوفيتي وتشيكسلوفاكيا – في وقته- ورومانيا وهنغاريا ويوغسلافيا وتونس والجزائر ومصر وسوريا ولبنان وكان على حد قوله في زياراته هذه يمتنع عن زيارة المتاحف والاماكن السياحية ويحبس نفسه في قاعات العرض ليشاهد مايقارب المائة فلم  من الافلام الطويلة في كل بلد حتى خرج الكتاب في طبعته الفرنسية فيما يقرب الخمسمائة واربعين صفحة وتم ترجمته الى اكثر من عشرين لغة مع ان سادول كان يحرص في طبعة كل ترجمة ان يكثف اهتمامه بسينما تلك البلد ويوسع صفحاتها كما حدث في الطبعة العربية التي كتبها استجابة لما عهدت اليه اليونسكو بكتابة مقتطفات مكرسة عن السينما العربية وتاريخها وحالها الحاضر  وتطوراتها . وهو مع ذلك يقول عن كتابه هذا ” انها لصفحات قليلة تعجز عن احتواء سبعين عاما من التاريخ في سبعين بلدا خصوصا اذا ماأريد للكتاب أن يظل مقروءا وان لايأتي شبيها بدليل للهاتف يعدد اسماء السينمائيين وعناوين الأفلام ”
وقد احتوى كتابه ” تاريخ السينما في العالم ” على سبعة وعشرين فصلا ابتداها بنشأة السينما منذ اختراعها وبداياتها مع لوميير وميليس  وباتيه مرورا بما سماه بالاندفاع الامريكي الأول وفلم الفن عند فرنسا والسينما الشمالية الايطالية ثم مادعاه بالارتقاء الامريكي والكشوف الالمانية والانطباعية الفرنسية والانفجار السوفيتي  .ثم بناء هوليوود وظهور السينما الناطقة قبل ان يعود مرة اخرى الى الواقعية الشعرية الفرنسية وانطلاقة السينما السوفيتية الجديدة ونهضات في انجلترا واوربا ثم الحديث عن الواقعية الايطالية الجديدة والموجة الفرنسية فترة الخمسينات الميلادية ثم تحدث في الفصول الاخرى عن السينما في العالم مثل امريكا اللاتينية والشرق الاقصى والسينما الاسيوية والهندية والعالم العربي والسينما الافريقية متحدثا عن عدد من الدول التي لايكاد يوجد لها أي اثر سينمائي حاليا او لاتمتلك أي صناعة سينمائية مطلقا. وقد تحدث عن التاريخ السينمائي في السعودي فترة الستينات الميلادية معتقدا ان القانون حينها يحرم وجود سينمات مخصصة للعرب في حين ان التواجد الموظفين الغربيين في كبرى الشركات السعودية مثل ارامكو كان يحضى بصالات سينمائية تستقبل آخر انتاجات هوليوود وكيف انه في عام 1965 كانت السعودية الدولة الوحيدة في العالم العربي التي يجهل سكانها رسميا كل شيء عن السينما ويستشهد ايضا بكلام محرر جريدة لوموند الفرنسية ايريك رولو الذي ذكر انه في تلك الفترة تجاوز الملك فيصل ذلك القانون الذي يحرم السينما وافتتاح دور العرض وذلك باقامة شبكة تلفزيونية رغم معارضة واحتجاجات الجهات الدينية في البلد  وكيف ان البرامج حينها كانت  دينية تعليمية في  باديء الامر قبل ان تتطور الى صيغة اكثر تسرية عبر عرض ميلودرامات مصرية يجتزأ منها تلك المشاهد التي تبدو فيها النساء على شيء من التعري..
واخيرا فانه بقدر مايعني كل مهتم بالسينما وتاريخها مثل هذا الكتاب فانه من المؤسف ان يكون مثل هذا التأريخ السينمائي قد وقف عند منتصف الستينات الميلادية والاكثر أسفا هو الانجد مؤلفا عربيا قد عني بكتابة التأريخ السينمائي وتقصيه في البلدان العربية ونضطر الى الرجوع دائما الى مثل جورج سادول للتعرف على هذا التاريخ.
 

 
 
ربما يكون المخرج البريطاني ” ألفريد هيتشكوك ” هو الاسم الاشهر والابرز عالميا حتى عند الذين لم يشاهدوا أفلامه أو يقرأوا القصص التشويقية التي انتحلت اسمه .. ولم يكن مستغربا أن تسمع شخصا يتحدث او معلقا رياضيا ليصف توالي الأحداث وغرابتها الغامضة او المشوقة بأنها جاءت ” بطريقة هيتشكوكية ” حيث يحل الاسم بديلا لمعاني التوشق والغموض والاثارة !! وهذا مايدفع لتساؤل دائما عن السبب بكونه ” سيد الإثارة ” كما يطلق عليه والدور الذي أضافه للسينما عبر أفلامه المتعددة والشهيرة فيلما لم ينتظمها مخرج من قبله أو بعده بهذا الشكل !!
 
في البداية كان ألفريد هيتشكوك ( 1899 – 1980 ) قد بدأ العمل في بريطانيا ليحضى  بنجاح لافت و شعبية كبيرة في الأفلام الصامتة و الناطقة المبكرة , حتى انتقل إلى الولايات المتحدة في عام 1939 ليكمل مسيرته في هوليود وحتى وقت وفاته عام 1980 بعد أكثر من نصف قرن من العمل المجهد والتفكير الخلاق والقصص الاستثنائية ليترك من بعده إرثا عظيما من روائع السينما العالمية وتحفها الشهيرة من مثل
 
The 39 Steps  التسع و ثلاثون درجة (1935) عن شخص يتورط في قضية عالمية و يفر من العدالة بلمسات كوميدية خفيفة ,
The Lady Vanishes   المرأة التي اختفت (1938) عن شابة تتعرف على سيدة مسنة في قطار ثم تختفي المرأة المسنة و تتهم الشابة بالهلوسة ,
Rebecca  ريبيكا (1940) شابة تتزوج من أرمل ثري و تعيش في قصره لكن شبح الزوجة الأولى يؤرقها ,
Shadow of a Doubt  ظل الشك (1943) عن قاتل للأرامل المسنات الذي ينتقل إلى قرية صغيرة و علاقته من ابنة أخته التي تحمل نفس اسمه ,
Notorious   نوتوريوس (1946) عن امرأة يتم توظيفها كجاسوسة للإيقاع بمجموعة من النازيين ,
Rear Window  النافذة الخلفية (1954) عن شخص مقعد يقضي يومه بمراقبة جيرانه و يبدأ يشك بوقوع جريمة قتل في الحي ,
Vertigo   فيرتيقو (1958) عن محقق خاص يكلف بملاحقة زوجة شخص ثري ثم يقع في حبها ,
North by Northwest  الشمال في الشمال الغربي (1959) عن منظمة سرية تعتقل شخص بالخطأ تظن أنه جاسوس ,
Psycho  سايكو (1960) عن امرأة تسرق مبلغ كبير من المال و تهرب من المدينة.
 
 
وحينما نعود للسؤال الأول عن السبب في كون هيتشكوك هو سيد الاثارة والغموض والتشويق بلا منازع فلن نكتفي بالإجابة البدهية التي تعول على مستوى قصصه فائقة الجودة والمفعمة بأجواء من الإثارة وحبكة الحدث مما اشتهر به هيتشكوك بشكل أكبر من غيره وإنما علينا أن نضيف لذلك رؤيته الخاصة في سرد هذه القصص وأسلوبه الفريد في معالجتها من حيث  توظيف جميع الأدوات من موسيقى تصويرية و مونتاج و حركة الكاميرا وزوايا الالتقاط والتي أصبحت من علاماته المميزة حيث تتحرك بشكل مشابه لمنظور الشخص لإجبار المشاهد للتفاعل مع المشهد , كما يتميز بإختياره للكوادر التي تلبي أفضل غرض مطلوب من المشهد ( من خوف , تعاطف , إثارة ) و إستخدام المونتاج و الموسيقى بطريقة عبقرية جدا تجعل من مشاهدة معبأة بالمشاعر ويمكن ملاحظة ذلك في مشهد القتل الشهير في فلمه سايكو (1960) وصرخات الممثلة المفزعة تحت دش الاستحمام والذي يشاع وقتها ان الكثير من الفتيات اصبحن يخشين الاستحمام للأثر الذي أحدثه المشهد حينها فيما سنلاحظ من جهة أخرى أن غالب أفلام هيتشكوك تدور حول قصة الهوية الخاطئة أو الفار من العدالة أو عن جريمة قتل مخطط لها أو العميل السري و المؤامرات الدولية و وجود النساء الشقروات الباردات بقالب إثارة نفسية .فيما لايتوانى عن استخدام الكثير من  الإشارات الجنسية و الكوميديا  السوداء في أغلب أفلامه مما يجعل المشاهد أكثر تفاعلا معها .
وحيث ان هيتشكوك فرض نفسه كأيقونة سينمائية في السرد والاخراج فمن الطبيعي أن يلقي بأثره على الكبير على أجيال من صناع الأفلام الذين أتو بعده من مثل الفرنسي فرانسوا تروفو ( الأربع مئة ضربة , اقتل عازف البيانو ) والذي قام بكتابة مقال شهير جدا يتحدث فيه عن سينما هيتشكوك و بالأخص فلم ظل الشك كما قام بإخراج مجموعة من الأفلام بها محاكاة لما كان يصنعه هيتشكوك فضلا عن التحية التي قدمها تروفو لهذا المخرج العظيم في آخر أفلامه  دون أن ننسى بطبيعة الحال الكتاب الشهير لتروفو حينما أجرى لقاء مطولا وشيقا مع هيتشكوك . كما يمكننا الاشارة ايضا للمخرج الأمريكي براين دي بالما ( كاري , سكارفيس ) حيث أخرج بعض الأفلام التي فيها احتكاك مباشر بهيتشكوك.فيما يرى البعض ان المخرج ديفيد فينشر ( سبعة , نادي القتال , زوردياك ) يأتي كامتداد لجيل المخرجين المتأثرين بهيتشكوك في عالم صناعة افلام الاثارة والغموض فضلا عن أن عددا من المخرجين كانوا قد استعانوا بنفس الموسيقار الذي عزف أشهر المقطوعات في أفلام هيتشكوك , (بيرنارد هيرمان ) مما جعل أفلامهم تحمل الطابع الهيتشكوكي بشكل عالي .

منذ عقود طويلة والمخرجون يسعون إلى وضع مجموعة أفكارهم أو تتبع شخصياتهم وحكاية قصصهم عبر أكثر من فيلم ليظهر ما تمت تسميته بالثلاثيات، والتي تضم ثلاثة أفلام متتابعة حتى لو اختلفت القصة في كل فيلم، لكنها توحدت في المغزى والمفهوم كما هو مع الياباني هيروي تشيغاهارا وثلاثيته التي بدأ بها الإخراج في الستينات (Pitfall, Woman in the Dunes, The Face of Another) أو ثلاثية الألماني مايكل هينيكي في الثمانينات (The Seventh Continent, Benny’s Video, 71 Fragments of a Chronology of Chance) أو ثلاثية الحرب لدى الإيطالي روسيليني في الأربعينات، والياباني كوباياشي (The Human Condition) أو ذات قصة واحدة متسلسلة كما هي بعض الثلاثيات الشهيرة مثل العراب وسيد الخواتم.
لكننا بالإجمال حينما نريد ذكر أبرز روائع الثلاثيات السينمائية، فسيأتي في مقدمتها «ثلاثية آبو» في الخمسينات للمخرج الهندي ستاياجيت راي (1921-1992) والتي تحكي قصة واحدة لحياة آبو راي منذ الصغر في قريته بين أهله وحتى هجرته للمدينة.
جائزة فرنسية
كان الرئيس الفرنسي فرانسوا ميتران من أشد المعجبين بأعمال ستايجيت راي، وقد سافر ذات يوم بنفسه إلى كلكتا في الهند، ليقدم له جائزة The Legion of Honor، وهي جائزة مرموقة في فرنسا تم تقديمها لأولئك الذين أظهروا إنجازاً رائعاً مدى الحياة في مجال العمل الذي اختاروه، بدلاً من دعوته إلى فرنسا لحضور الحفل. وهو المخرج أيضاً الذي كان قد اختير عام 1967 ضمن أفضل 20 مخرجاً على الإطلاق في مجلة Entertainment Entertainment.
ومن اللافت أن هذا المخرج العظيم كان قد بدأ مسيرته في الإخراج مع أول أفلامه عام 1955 Pather Panchali وهو الفيلم الأول من الثلاثية، والذي يحكي فيه بسرد درامي رائع ومؤثر لا يخلو من حس شاعري التقطته الكاميرا وعبرت عنه الموسيقى الهندية الخالصة، قصة الطفل الصغير «آبو راي» وأهله في قرية صغيرة في حالة من البؤس والفقر يضطر معها والده الكاتب والشاعر الذي يعول أخته وأمه أيضاً إلى ترك القرية لفترة من أجل البحث عن سبيل لتحسين معيشتهم تاركاً آبو وعائلته يعانون الفقر والمرض. ثم في السنة التي تليها عام 1956 يقدم ستاياجيت راي الفيلم الثاني من الثلاثية Aparajito حينما يغدو آبو شاباً يافعاً ليترك القرية بنفسه حتى مع عودة والده ووفاته في ما بعد، حيث يترك أمه وحيدة ليتجه نحو مدينة كلكتا من أجل أن يحظى بحياة أفضل ويخفف عبء معيشته عن والدته.
عامان
بعدها توقف المخرج ستايجيت لمدة سنتين عن إكمال القصة وختام الثلاثية ليقدم خلال سنة واحدة وهي 1958 فيلمين أحدهما الفيلم الكوميدي الطريف Paras-Pathar حول كاتب في منتصف العمر براتب منخفض يجد حجراً يعمل على تغيير الحديد إلى ذهب عند لمسه. ثم فيلمه الثاني التحفة السينمائية وأحد أشهر وأفضل أفلامه أيضاً The Music Room وهو دراما موسيقية حول تاجر ومالك عقار يعشق الموسيقى ويقيم الحفلات الخاصة في منزله وهو يواجه مهمة دعم مكانة أسرته أمام الأزمات الاقتصادية.
الفيلم الثالث
وفي عام 1959 يعود ستايجيت لإكمال الثلاثية بفيلمه الثالث The World of Apu حينما يختم قصة آبو بمنتهى الروعة والتأثير وقد غدا شاباً بلا والدين ولا أقارب، لكنه يسعى حثيثاً إلى تحقيق طموحه ليكون كاتباً مرموقاً تسوقه الأقدار إلى صداقات وعلاقات تؤثر في حياته. ليأتي بعدها الناقد الراحل الشهير روجر إيبرت مضمناً هذا الفيلم الأخير ضمن قائمته للأفلام العظيمة، كما صنفته مجلة TIME عام 2005 كأحد أفضل 100 فيلم في كل العصور. بينما وضعها ستيفن شنايدر ضمن قائمته الشهيرة «1001 أفلام يجب أن تراها قبل أن تموت» فيما صرح الكاتب والرسام والمنتج مات غرينينغ أكثر من مرة بأن ثلاثية أفلام Apu هي أفلامه المفضلة.
ذات يوم صرح المخرج الياباني الكبير أكيرا كوروساوا قائلاً: «إن عدم مشاهدة أفلام راي هو أن تعيش في العالم دون أن ترى القمر والشمس أبداً».

• نشر في مجلة ” زهرة الخليج “

• نشر في مجلة زهرة الخليج
• https://www.zahratalkhaleej.ae/Article/562105/%D9%88%D8%AF%D8%A7%D8%B9-%D8%A3%D8%A8%D8%B1%D8%B2-%D9%85%D8%AE%D8%B1%D8%AC%D8%A7%D8%AA-%D8%A7%D9%84%D8%B3%D9%8A%D9%86%D9%85%D8%A7

في افتتاحية فلم ” لمسة الشرTouch of Evil ” الذي أخرجه اورسن ويلز عام 1958 تبتديء اللقطة الأولى من الفلم على قنبلة موقوتة بيد شخص يعمل على توقيتها ثم يسمع ضحكة امرأة من بعيد فيسرع الى احدى السيارات الواقفة ويضع القنبلة المؤقتة في الشنطة الخلفية للسيارة وبعدها تنتقل الكاميرا لنرى المرأة التي كانت تضحك وهي تسير بجانب رجل ليركبان السيارة وينطلقان تحت نظر الكاميرا التي تبتعد لتكشف عن بلدة صغيرة تعج بالمشاة والباعة والجنود والمحلات المفتوحة ويمران بجانب رجل مكسيكي وزوجته الامريكية وهما يمشيان ليقفان سويا عند مدخل الحدود مابين امريكا والمكسيك  ثم تتجاوزهما السيارة لتتابع الكاميرا الزوجين وهما يتحدثان الى ان يدوي انفجار كبير تتطاير معه اجزاء السيارة المحترقة التي تنتقل اليها الكاميرا بشكل مباشر… ماالشيء الجديد الذي حدث ليستحق وصف المشهد بهذه الطريقة ؟ انها احدى عبقريات المخرج الكبير اورسن ويلز حينما صور هذا المشهد الافتتاحي للفلم بلقطة واحدة فقط لمدة ثلاث دقائق كعمل فريد لايستخدم عادة حيث اعتاد المخرجون على القطع الكثير والانتقال بالكاميرا حين التصوير لتقديم مشاهدهم. انه امتداد لتلك العبقرية المذهلة التي قدمها اورسن ويلز للسينما حينما اخرج فلمه الخالد ” المواطن كين ” عام 1941 الذي يمكن اعتباره دستورا في اللغة السينمائية.
 ولفترة طويلة ظلت اللقطة الطويلة عملا يتفنن فيه المخرجون ويسعون الى توظيفها بشكل جميل كما هو عند مارتن سكورسيزي مثلا الذي يوظف هذا الأسلوب لكشف هوية المكان وشخصياته الا انه في عام 1992 يقدم احد كبار مخرجي امريكا روبرت التمان افتتاحيته الشهيرة ذات اللقطة الواحدة التي بلغت ست دقائق في فلمه الرائع ”  The Player ” المرشح لأوسكاري افضل مخرج وأفضل نص مقتبس و الذي يصور فيه التمان لعبة الانتاج السينمائي في هوليوود بطريقة ذكية وطريفة حول مدير انتاج ” تيم روبنز” الذي يرتكب جريمة قتل ويعتقد انه نجى من الاتهام قبل ان يأتي من يبتزه بشكل سافر.كان المشهد الافتتاحي لهذا الفلم في مكتب مدير الانتاج حينما تتراجع الكاميرا لتكشف عن مكاتب واستديوهات كثيرة واناس تنتقل فيما بينها وتقوم الكاميرا بتتبع بعض المارة والتقاط حواراتها والذي كانت ايضا تتضمن حوارا عن لقطة اورسن ويلز الشهيرة السابقة . قبل ان تعود الكاميرا مرة اخرى الى المكتب.
وفي عام 2002 يحقق المخرج الفرنسي  غاسبر نو مدة قياسية في اللقطة الطويلة حينما قدم فلمه الخطير والموغل في العنف ” Irreversible  ”  الذي كان كل مشهد منه بلقطة واحدة تستمر لأكثر من عشر دقائق وبطريق سردية مشابهة للفلم الشهير  ” MEMENTO ” حيث يبتديء الفلم من نهايته عودا الى البداية . وهو من تمثيل مونيكا بللوشي وفينسينت كاسل ويحكي قصة رجل يبحث عمن اغتصب زوجته لينتقم منه وكان الفلم أثار الكثير من الجدل حينما عرض في كان تلك السنة حتى ان بعض الحضور لم يستطع اكماله وخرج من الصالة كما ذكرت الاخبار حينها  .
اما الانجاز الأكبر في اللقطة الواحدة فهو ذلك العمل المذهل الذي قدمه المخرج الروسي الكسندر سوكوروف عام 2002 في فلمه ” Russian Ark ” حيث لم ينطق كلمة ” CUT” سوى مرة واحدة فقط حينما انتهى من تصوير الفلم لانه صوره كله ولمدة ساعة و ست وثلاثين دقيقة بلقطة واحدة فقط !!! كانت عيناه قد دمعت حينما نطق بهذه الكلمة معلنا عن انجازه الكبير وغير المسبوق والذي كان من الممكن لأدنى خطأ ان يعيد من البداية كما حصل ثلاث مرات ونجح في الرابعة كما ان التحضير لهذا العمل كان قد استغرق اربع سنوات بينما كان لزاما على المخرج ان يصور خلال يوم واحدفقط استطاع ان يأخذ اذنا بذلك من ادارة المتحف الذي تدور فيه أحداث الفلم حيث وبشكل مغاير للسرد الدرامي المعتاد يستعرض الفلم التاريخ الكبير لروسيا خلال ثلاثمئة سنة من خلال تجوال يقوم به ارستقراطي فرنسي في متحف ” صومعة الناسك ” ليشهد في أكثر من 33 غرفة صورا من هذا التاريخ ويحضر ثلاث اوركسترات  عزفت حية أثناء التصوير ويواجه اكثر من 2000 ممثل و4500 عملوا في هذا الفلم والأمر الطريف هو حاجز اللغة بين المخرج الروسي والمصور الألماني الا ان كل هذه العقبات والمهمات الصعبة لم تكن لتمنع خروج هذا الفلم الفريد الذي ترشح لعدد من الجوائز السينمائية كأخراج وتصوير أهمها في مهرجان كان ومهرجان الفلم الاوربي.
وفي عام 2015 يكرر الألماني التجربة بصعوبة أخرى على مستوى مختلف بفيلم لايخلو من إثارة وحركة بلقطة واحدة فقط رافق فيها المصور ستورلا براندث شخصيات الفيلم وكأنه مصور إخباري في جولة معركة شوارع !! تدور القصة حول فتاة اسبانية تتعرف ليلا في برلين على مجموعة من الشباب وترافقهم حيث كانوا يخططون لعملية جريئة .الفيلم بطبيعة الحال حقق اعجابا نقديا وجماهيريا وحقق حضورا وجوائز عدة في مهرجان برلين . فيما تأتي آخر التجارب على هذا المستوى عبر الفيلم النرويجي هذا العام U – July 22 والذي شارك في مهرجان برلين أيضا حيث اعتمد مخرجه ايريك بوبي لقظة واحد طيلة الفيلم باستثناء اللقطات الافتتاحية المستندة على أرشيف حقيقي لصور تفجيرات إرهابية في أوسلو بينما قصة الفيلم المعتمدة على وقائع حقيقية تدور حول هجوم إرهابي تزامن تلك اللحظة على مخيم شبابي في جزيرة اوتويا قام به متطرف يميني كان يقتنص أعضاء المخيم ببندقيته بينما نحن سنرافق طيلة الفيلنم إحدى الفتيات وهي في حالة فزع مابين الهروب والبحث عن اختها .

في أبريل الماضي من عام 2018 افتقدت السينما العالمية وعوالم الأنميشن اليابانية أحد أعظم وابرز مخرجي أفلام الأنميشن ايساو تاكاهاتا الذي توفي عن سن الثالثة والثمانين بمرض السرطان بعد مسيرة حافلة جدا بدأت منذ الخمسينات الميلادية روائيا ثم صداقته الطويلة مع المخرج الياباني الابرز هياو ميازاكي والتي أثمرت علاقتهما المقربة إلى إنشاء استديو ” غيبلي ” الشهير بتقديم عدد من روائع أفلام الأنميشن اليابانية والتي حققت نجاحات وجوائز عالمية كثيرة وحضيت بشهرة واسعة .والتي  كانت ” ديزني ” قد حصلت على حقوق توزيع ماينتجه الاستديو .

حاليا تحضى اليابان بالعديد من المخرجين الشباب والمخضرمين لأفلام الأنميشن لكن الجميع يبدو ملهما من قبل الكبار أمثال ميازاكي وتاكاهاتا الذي وبحسب الانيماتور ياسو اوتسوكا أن تاكاهاتا الذي يكبر ميازاكي بست سنوات كان هو من أثر عليه ليكون ذا مسؤولية اجتماعية في أعماله بعد ان كان غارقا في الرسوم والكتب الهزلية وهو ماسيبدو واضحا بالنظر الى مجموعة أفلام تاكاهاتا ومسلسلاته والتي تبدو متفاوتة التصنيف مابين الواقعية والمغامرة والفانتازيا والتاريخ والخيال العلمي لكنها ذات ثيمة واحدة على مستوى تبني القيم الانسانية والحس الشاعري الجميل والقصص المؤثرة . وان كانت هذه الثيمة تبدو مشتركة في الكثير من أفلام الأنميشن اليابانية والذي يتباين مخرجوها في طريقة معالجتها وسردها حيث ينحو ميازاكي مثلا لذلك الطرح الفانتازي المفعم بالخيالات الصافية وأبعادها الميتافيزيقية فيما يظهر لنا تاكاهاتا كمخرج أكثر تنوعا من هذه الجهة .

والأمر الملفت ايضا حينما نقول أن تاكاهاتا وصديقه مياراكي هما أكثر مخرجين يابانيين شاهد الناس في المنطقة العربية تحديدا أعمالهما فهما من يقف خلف المسلسل الشهير Future Boy Conan والذي عرض في المنطقة العربية باسم ” عدنان ولينا ” فيما قام تاكاهاتا أيضا بإخراج كامل حلقات المسلسل الشهير الآخر ” هايدي ” .

أما على مستوى الأفلام الطويلة فإن تاكاهاتا لم يتجاوز العشرة أفلام لكن ماصنعه في أواخر أفلامه هي روائع مهمة في تاريخ أفلام الأنميشن إجمالا , فبعد أن بدأ أول أفلامه الطويلة عام 1968  بفيلم  Horus, Prince of the Sun -حول صبي يملك سيفا اسطوريا يريد حماية قريته دون ان يحضى بثقة أهل القرية – لم يعد الى الإخراج المستقل إلا بعد 13 سنة عام 1981  بفيلم عائلي كوميدي حول الفتاة تاكيموتي تشي التي تعيش مع والدها المزعج  وتسعى لتجمعه من جديد بأمها التي تركته – , ثم بعد ذلك بسنة عام 1982  يقدم فيلما موسيقيا فانتازيا حول شاب عازف تشيلو يتلقى مساعدة بعض الحيوانات حتى يتمكن من العزف بشكل جميل .

لكن أحد اشهر وأفضل أفلامه يأتي بعد ست سنوات عام 1988  والذي يحتل حاليا مرتبة متقدمة (56  ) في قائمة الموقع الشهير IMDB  لأفضل 250  فيلم وهو ” Grave of the Fireflies / قبر اليراعات ” وهو فيلم دراما حرب مؤثر جدا حول الطفل سيتيسكو وأخته سيتا وهما يواجها أهوال مابعد الحرب العالمية الثانية حيث يبدو كل شيء مدمرا بعد ان فقدوا أهلهم ومنزلهم وعليهم أن يصارعوا من أجل البقاء أحياء !!

بعد ثلاث سنوات في عام 1991  يواصل تاكاهاتا حسه الدرامي لكن هذه المرة بواقعية اجتماعية عبر فيلم Only Yesterday عائلي جميل للغاية بشيء من الحس الرومانسي وهو يتتبع حياة الآنسة تيكو التي قررت ان تأخذ إجازة من عملها لتجرب حياة الريف في زيارة لصهرها حيث تعيدها هناك الذكريات الى طفولتها حيث العائلة والمدرسة والمراهقة بسرد جميل يجعل هذا الفيلم أحد ابرز ماقدمه تاكاهاتا أيضا. ثم ثلاث سنوات أخرى ويقدم تاكاهاتا عام 1994 فيلما كوميديا فانتازيا باسم ” حرب الراكون The Raccoon War حينما تجتمع حويانات الراكون لاتخاذ حلول جذرية لمواجهة توسع مدينة طوكيو الذي سيقضي على طبيعة حياتهم ومنازلهم .بعدها في عام 1999 يواصل تاكاهاتا حسه الكوميدي بفيلم طريف للغاية وتحريك فريد حول يوميات عائلة يامادا المضحكة وغريبة الأطوار بفيلم My Neighbors the Yamadas . بعدها ستوقف تاكاهاتا 11 سنة قبل أن يعود عام 2010  بفيلم دراما عائلية باسم Anne of Green Gables حول الفتاة آن منذ طفولتها في السنة الحداية عشر حتى بلوغها السابعة عشر حينما يتوجب عليها أن تتخذ قرارت مهمة في حياتها.

 لكن الفيلم الأكثر إنجازا لايساو تاكاهاتا هو آخر أفلامه التي قدمها عام 2013  وترشح لأاوسكار أفضل فيلم انميشن كما حصد العديد من الجوائز في مختلف المهرجانات وتم اختياره عند كثير من النقابات والجمعيات السينمائية كأحد أفضل أفلام السنة وهو الفيلم الذي ألف تاكاهاتا قصته وكتبه وأخرجه بأسلوب بصري فريد للغاية معبرا بسرد جميل عن قصة دراما فانتازية باسم ” حكاية الامير كاغويا / The Tale of the Princess Kaguya  ” والتي يجدها رجل وزوجته داخل ساق من الخيزران حيث تنمو بسرعة من طفلة صغيرة لفتاة شابة جميلة وغامضة تاسر من حولها قبل أن يتوجب عليها مواجهة مصيرها !!

كان فيلما يصلح ان يكون الختام الأجمل لأعمال الراحل العظيم ايساو تاكاهاتا الذي ترك أثره الكبير في عالم الأنميشن الجذاب .

• نشر في مجلة ” زهرة الخليج “

 
في عام  2000  كان هناك مجموعة من الهنود الهندوس المتعصبين قد توجهوا الى موقع تصوير فيلم Water  في فاراناسي ليقوموا بتخريب الموقع والديكورات وتهديد العاملين واحراق الصور التي تحمل صورة المخرجة الهندية ديبا ميهتا احتجاجا على فيلمها الذي يرون فيه تشويها وتعارضا مع التعاليم الدينية الهندوسية ! كان على الفيلم أن يتوقف أكثر من اربع سنوات قبل أن يستأنف التصوير في سيرلانكا تحت اسم وهمي لتجنب لفت الانتباه في الوقت الذي تداعي صناع السينما في العالم لتأييد المخرجة والوقوف معها وعلى رأسهم المخرج والمنتج الشهير جورج لوكاس الذي نشر أعلانا في صفحة كاملة على مجلة “فارايتي” لدعم ديبا ميهتا في نضالها لصنع هذا الفيلم عندما أوضحت السلطات الهندية نواياها لإغلاق الإنتاج. قبل أن تقوم إحدى شركات إنتاج كندية مثل تيلي فيلم كندا ونوبل نوميد بكتشر وديفيد هاميلتون برودكشن  وغيرها  بالمشاركة في إنتاج الفيلم وتتقدم به كندا لسباق الأوسكار ليحصل على ترشيح افضل فيلم أجنبي عام 2005  .
هذا الفيلم الجدلي الذي  أثار كل هذا الغضب والاستياء وواجه مثل هذه التعثرات قبل خروجه للنور يأتي كثالث أفلام ” ثلاثية العناصر : نار , أرض , ماء  ” والتي تقول ديبا عن سبب إطلاق هذه الاسماء على أفلامها الثلاثة : ” أن هذه العناصر هي التي تغذينا وترعانا , في القوت نفسه تملك القدرة على تدميرنا , كل أفلام الثلاثية تتعامل مع حالات الانبعاث والموت ” .  وكانت ديبا قد بدات هذه الثلاثية عام 1996  مع فيلم ” نار ” حول علاقة اجتماعية عاطفية بين امرأتين من الطبقة الوسطى ثم عام 1998  مع فيلم ” أرض ” والذي يدور حول قصة حب وسط نزاعات سياسية عنصرية في الاربعينات مابين الهنودس والمسلمين في الهند . وأخيرا أفضل أفلام الثلاثية واكثرها نجاحا هذا الفيلم ” ماء ” والذي فضلا عن ترشيحه لأوسكار أفضل فيلم أجنبي كان قد حصل على اشادة كبيرة من نقاد السينما في جميع المهرجانات التي شارك فيها وتواجد حينها في قوائم النقابات والجمعيات السينمائية كما حضي باعجاب جماهيري ملفت انعكس أيضا على احتفاء وتقدير كبير للمخرجة ديبا نفسها بفضل صدقها وشجاعتها وعدم استسلامها أمام كل العوائق والتهديدات لأيصال صوتها ورسالتها الإنسانية. ولايمكن  بطبيعة الحال أن يخفى الخيط الرفيع الذي يربط بين أفلام الثلاثية والذي تعبر عنه المخرجة نفسها حينما تقول ( إذا كان فيلمي ” نار ” عن السياسة الجنسية فإن فيملي ” أرض ” عن السياسة القومية بينما فيلمي ” ماء ” عن السياسة الدينية واثرها على الفرد ” ) وهذا يعطينا فكرة كافية عن محتوى الفيلم الذي أثار غضب المتعصبين الهندوس حيث تتعرض المخرجة ديبا بشجاعة وحس إنساني عالي ومؤثر جدا لقصة الطفلة  ذات الثمان سنوات ” شويا ” التي يتوفى عنها خطيبها المفترض !! وهنا حسب تقاليد دينية متعنتة ورؤية بطريركية لتعاليم مانو الهندوسية القديمة فإنه عند وفاة الزوج يتبقى أمام الزوج ثلاثة خيارات فقط .. أن تتزوج شقيق زوجها الأصغر أو ان تحرق مع زوجها المتوفي أو ان تبقى أرملى معزولة طيلة حياتها لاتخالط سوى نظيراتها من الارامل في مسكن معزول يلبسن البياض ويتجنبن الكثير من مباهج متع الحياة ومخالطة الناس في عملية تطهير حيث يتم اعتابر الأرملة فألا سيئا وموت زوجها وزر يقع عليها ! ولذا لإان الفتاة الصغيرة شويا تجد نفسها وقد سلمها اهلها إلى بيت الارامل لتعيش هناك حكاية حياة جديدة وسط علاقات مختلفة وأحداث تخترق برائتها الصغيرة . تقول المخرجة ديبا – ذات النشأة الهندوسية وابنة موزع أفلام في دلهي والتي درست الفلسفة في جامعة نيودلهي وقدمت أول اعمالها فيلما وثائقيا قصيرا عن ” زواج القاصرات ” ثم هاجرت لكندا لممارسة العمل الفني والتي يلهمها المخرج الهندي الأول ” ساتياجيت راي ” ويعجبها اليابانيان ميزغوشي واوزو والايطالي فيتوريو دي سيكا -عن فيلمها هذا والذي استمدت قصته من فترة الثلاثينات مع أواخر حياة المهاتما غاندي الذي كان يتنقل بين مدن الهند وأريافها : ” يعكس الفيلم بشكل أو بآخر مايحدث في الهند  من نهوض للأصولية الهندوسية والتشدد الديني والحساسية المفرطة تجاه مايثير الشكوك , وإذا استطاع الفيلم أن يلهم الناس لفعل شيء ما في ثقافتهم الخاصة فذلك أمر هام ”

• تم نشر المقال في مجلة زهرة الخليج

بدأ الفيلم صامتا… لاشيء أمام المشاهد سوى الصورة و موسيقى مصاحبة كانت تعزف أثناء العرض . وعلى الرغم من ان المشاهد حينها كان يعيش فترة الانبهار أمام هذه الصور المتحركة والتي بدورها كانت مرحلة مهمة أنتج من خلالها بعض اشهر الأفلام التي وضعت لغة السينما ومهدت لصورة السينما الحديثة الا ان الشعور بأن الصورة لم تكتمل بعد كان موجودا لدى المشاهدين أيضا .
كان على الممثل حينها أن يتكفل بإيصال التعبير المطلوب في ظل انعدام الحوار الذي عوضت عنه بعض الأفلام بعبارات حوارية مقتضبة جدا مكتوبة تظهر على الشاشة أثناء العرض.
وعلى الرغم من ان أحد صناع السينما قد قال يوما حول اقتراح وضع الحوار على الأفلام : ” ومن الذي يحب سماع الممثلين وهم يتحدثون ” !! الا ان الامر لم يمض بهذا الشكل .
ففي عام 1927 تقدم شركة ” وارنر بروذر”  خدمة عظيمة للفن السينمائي حينما أدخلت الصوت مع الصورة في الفلم لأول مرة في السينما معلنة نهاية مرحلة الفلم الصامت من خلال الفلم الموسيقى ” مغني الجاز “. لقد كانت هذه الفترة البداية الفعلية لمرحلة الصوت في السينما والتمهيدية لمرحلة الحوار السينمائي الذي سيستغل هذا التقدم التقني لاعطاء الحوار دورا أكبر في  السرد وبناء الشخصيات  وسيفتح لاحقا مجالا رحبا في عالم السينما حيث ستتشكل مدارس متعددة في كتابة الحوار وسيكون هناك مخرجون يولون عناية أكبر بالحوارات حتى تكاد تكون إحدى سماتهم الإبداعية ” وودي ألن مثلا ” . وسيبرز مجموعة من كتاب السيناريو الذين سيواجهون المشاهد بما يملكونه من مقدرة ومخيلة لابداع الحوار السينمائي. كما ان الممثل ذاته سيتكفل بمهمة ايصال الحوار بكل تأثيراته الى المشاهدين وسيخوض امتحانا جديدا يؤكد من خلاله مدى موهبته .فحتى نغمة الحوار ذاتها جرى عليها التغير من الأداء الكلاسيكي الخطابي والمسرحي الى الأداء الاكثر واقعية في نغمة الحوار والمتسم غالبا بالتلقائية والحيوية.تماشيا مع انعطافة الأداء إجمالا والتي ساهم في تكريسها الهنغاري لي ستراسبيرغ امتدادا لما فعله الروسي المسرحي مسبقا ستانسيلافسكي .
لقد كانت هذه القفزة التقنية في السينما اعلانا آخر لتمازج الصوت والصورة الا انه من جانب آخر يعتقد رالف ستيفنسون ان الحركة الحرة للكاميرا والتي كانت في أواخر أيام الأفلام الصامتة قد فقدت ولم تستطع حداثة الحوار التعويض عن وجود اللقطات الثابتة والطويلة وبدا ان كلا من الكاميرا والميكرفون يستقلان تدريجيا عن بعضهما واصبح الاثنان أكثر دقة و مرونة ثم استعادت الكاميرا قابليتها للحركة كما تزايد مجال الصوت الى درجة فائقة . و يعلق رالف على دخول الصوت بشكل طريف : (  لم تقتصر المبالغة على استخدام الحوار فقط . ففي الأفلام الناطقة الأولى قام المخرجون الذين أسكرتهم تلك الوسيلة الجديدة بصم آذان المشاهدين بقدر وافر لامعنى له من الضجيج مثل اشعال أعواد الثقاب وصرير المفصلات وقرقرة الزجاجات ورنين الكؤوس بالاضافة الى ذلك كان التقديم بعيدا عن الدقة غالبا بحيث كان حفيف الثوب مثلا يسمع مثل صوت طقطقة الورق ).
واذا كان الحال في السينما أن الصورة أكثر أهمية من الكلمة ولابد أن تكون لها الاسبقية كما يقول لويس هيرمان فان الكلمة حينما أخذت مكانها في السينما أضافت عنصرا فنيا آخر من الصعب الاستغناء عنه بالرغم من ان الفلم الصامت لم يذهب تماما فهو اختيار فني صعب  يضع المخرج أمام مهمة التطوير القوي والساحر في اسلوب التعبير بالصورة .
في كتابه “كتابة السيناريو للسينما” يحدد الكاتب “دوايت سوين ”  أربع مهام رئيسية على الحوار السينمائي أن يقوم بها:

• أن يقوم معلومات دون أن يعيق او يعترض تدفق القصة
• أن يكشف عن العاطفة والحالة النفسية والشعورية للمتحدث
• أن يدفع بحبكة القصة الى الامام ودون ان يجعل المتفرجين يدركون ذلك
• ان يحدد شخصية المتحدث او المتحدث اليه بالكشف عن خلفيته أو تعليمه مثلا اومركزه الاجتماعي وغيرها.

 والحقيقة أن  مهمة  الحوار السينمائي  لايمكن حصرها بهذه المهام الأربع التي يحددها سواين في كتابه , فهي بالفعل تبدو وظائف مهمة يقدمها الحوار لكننا سنلاحظ من جانب آخر أن الحوار السينمائي عبر بعض كتابه استطاع ان يتجاوز هذه المهام الى آفاق أخرى أقصى ماتؤديه من مهام هو التعبير عن الشخصية وفكرها .